Artistes : arrêtez d'être les esclaves des algorithmes

99 % des artistes que je croise aujourd’hui sur le digital n’agissent plus pour eux, pour leur public, pour la musique ou pour la performance artistique. Ils agissent uniquement pour séduire les algorithmes.

Ils ont troqué la qualité musicale contre du reach.

Et ça me fait peur. Pour la musique, d’abord, d’autant que l’intelligence artificielle arrive à grands pas. Mais aussi, et surtout, pour l’amour propre de chacun.

Je suis Tarik Hamiche, producteur et éditeur depuis vingt ans, certifié disque d’or et de platine en indépendant, fondateur de Muzisecur. J’ai accompagné et formé près de 4000 artistes, producteurs et éditeurs dans 37 pays. J’étais déjà dans cette industrie au début des années 2000, avant les réseaux sociaux à fort potentiel viral. Ce que je vais te décrire ici, je l’ai vu s’installer progressivement, et je le vois aujourd’hui abîmer des carrières entières.

Précisons tout de suite pour éviter le malentendu : je ne dis pas qu’il faut arrêter les réseaux sociaux. Ce serait absurde, c’est un canal de communication extraordinaire. Je dis qu’il ne faut pas les laisser décider de ce que tu crées, ni de ce que vaut ton travail.

J’ai consacré une vidéo entière à ce sujet sur ma chaîne Producteur à Succès, avec un titre volontairement provocateur. Tu peux la regarder ici, l’article reprend et développe tous les points que j’y aborde.

En un coup d’œil

Question	Réponse courte
Le mauvais réflexe ?	Penser “qu’est-ce qui va faire des vues” avant même d’avoir fait la musique.
Le bon ordre ?	Créer d’abord, réfléchir à comment vendre ensuite. Jamais l’inverse.
50 000 abonnés, ça vaut quoi ?	50 000 clics sur un bouton. Pas 50 000 fans, ni une économie viable.
Vues TikTok converties en streams ?	Entre 0,5 % et 2 % seulement. Et 15 % des titres viraux durent.
Qui a créé ce réflexe ?	Les labels, en évaluant les artistes au nombre d’abonnés.
La sortie ?	Basculer de l’acquisition de vues vers l’acquisition de fans en direct.

Tu fais de la musique pour l’algorithme, pas pour ton public

Le problème commence bien avant la promo. Il commence en studio.

Beaucoup d’artistes, dès le moment où ils composent, ne réfléchissent plus à la musique comme un moyen de transmettre un message, de créer quelque chose qui va rester et laisser une trace. Ils réfléchissent à : qu’est-ce que je peux dire, faire ou proposer pour que ça génère des vues sur TikTok, Instagram, Snapchat ou YouTube ?

La bonne réflexion, c’est d’abord de faire la musique, et ensuite de réfléchir à comment la vendre. Pas l’inverse.

Parce qu’à partir du moment où tu réfléchis à comment vendre ta musique avant même de l’avoir créée, tu la formates. Tu l’uniformises. Regarde à l’échelle globale, c’est frappant : tout finit par se ressembler. Et tu fais ça dans le seul et unique but de séduire un algorithme.

Un algorithme qui est d’humeur changeante, et qui tous les trois jours peut décider de changer complètement les règles du jeu. Au lieu que ce soit lui qui s’adapte à ce que tu proposes, c’est toi qui t’adaptes à lui, en permanence.

Tu te retrouves alors dans un cercle vicieux : tu crois faire des choses qui plaisent parce qu’on te donne des vues. Sauf que ça ne marche pas. Et quand tu t’en rends compte, tu viens de passer trois ou quatre ans à t’épuiser dans cette direction.

50 000 abonnés ne sont pas 50 000 fans

Deuxième problème de cette course à la visibilité algorithmique : tu crois que tu as un public, alors que tu n’en as pas.

Un artiste qui a un compte avec 50 000 abonnés n’a pas un public de 50 000 fans. Il a simplement 50 000 personnes qui ont cliqué sur un bouton “s’abonner”.

Ça ne veut pas dire qu’elles sont revenues t’écouter. Ça ne veut pas dire qu’elles reviendront. Ça ne veut surtout pas dire qu’elles achèteront ta musique ou qu’elles l’écoutent régulièrement. Et ça veut encore moins dire que tu vas bâtir une économie viable à partir de ces 50 000 followers.

Je te le dis d’autant plus facilement que je me l’applique à moi-même. J’ai 60 000 abonnés sur ma chaîne YouTube. Je n’ai évidemment pas vendu mes formations à 60 000 personnes. Ça se saurait. Je suis plutôt autour de 5 % de cette taille d’audience. Pas 100 %, pas même 50 %. Environ 5 %.

Ce que ça veut dire pour toi : même si demain tu fais des scores impressionnants, 100 000 abonnés, 500 000, un million, cela ne garantit en rien que ces gens soient réellement engagés à soutenir ton projet musical.

Je préfère mille fois un artiste qui ne fait pas énormément de buzz mais qui est capable de me dire : “j’ai bâti une fan base de 1000, 2000 ou 3000 personnes à qui j’ai vendu un abonnement en paiement récurrent à 5 ou 10 euros par mois.” Deux mille abonnés à 10 euros, ça fait 20 000 euros par mois. Ça, c’est beaucoup plus intéressant que quelqu’un qui a 200 000 abonnés.

Parce que ces 20 000 euros te font très bien vivre, te donnent la capacité d’investir dans ton développement, et surtout te donnent la liberté de faire ce que tu aimes : maîtriser ta direction artistique, maîtriser ton message, et ne pas t’autocensurer pour coller aux exigences d’une plateforme. C’est tout le sujet de notre article sur l’économie des superfans et le fait de posséder son audience.

Le buzz qui ne convertit pas

Tu l’as sûrement déjà vécu. Tu sors une vidéo, elle fait un million de vues. Puis tu regardes ton nombre d’auditeurs mensuels sur Spotify, et il n’a presque pas bougé. Tu es passé de 600 à 1000. Et tu te dis : je ne comprends pas, j’ai fait un buzz TikTok à un million de vues, et il ne se passe rien.

Ce n’est pas un accident, c’est la norme. Les estimations du secteur situent la conversion d’une vue TikTok en stream Spotify entre 0,5 % et 2 % seulement. Et parmi les titres qui deviennent viraux, seuls 15 % environ connaissent une croissance durable en streaming. Une vue, c’est une exposition d’une seconde et demie dans un flux. Ce n’est pas une relation.

Et parfois, la facture arrive de façon beaucoup plus brutale.

En 2025, un artiste afro urban club a connu un buzz web important grâce à une campagne d’influenceurs TikTok. Les chiffres étaient très bons. Il s’est dit : ça y est, je suis une star, j’ai des millions de vues, des abonnés. Il a organisé un concert. La salle faisait 300 places, et elle est restée quasiment vide. Et encore, dans le peu de monde présent, il y avait beaucoup d’invités.

C’est ça, l’écart entre une audience numérique et une audience réelle. Le problème, c’est qu’on ne le découvre que le soir du concert, quand la salle est louée, l’équipe payée et le matériel installé.

Suggérer l’interaction ou la quémander

Troisième symptôme, et celui qui se voit le plus : les artistes qui quémandent des likes et des abonnements toute la journée.

Attention, je ne dis pas qu’il ne faut pas le faire. Bien sûr qu’il faut glisser des appels à l’action dans tes contenus pour inviter les gens à liker, partager, s’abonner, commenter. Mais il y a une différence entre suggérer l’interaction et la quémander.

J’ai vu récemment un groupe faire des lives sur YouTube. Excellente initiative. Sauf que sur un live de 35 minutes, il y avait honnêtement entre 10 et 15 minutes de quémandage. “Les gars, on est en live, pensez bien à vous abonner, à liker, à commenter, c’est très important pour nous.” Tu le dis une fois, c’est très bien. Puis ils font une chanson, elle est à peine terminée qu’ils redemandent. Une autre chanson, et ils redemandent encore.

Imagine la même chose en concert. Une heure de show, une douzaine de titres, et entre chaque morceau l’artiste s’arrête : “au fait, j’ai une boutique merch juste à droite, on met pause, vous allez acheter, et après on reprend.” C’est ridicule. Ça fait même un peu pitié.

Et surtout, ça ne marche pas. Quelqu’un qui a envie de liker le fera sans que tu le lui demandes quinze fois.

La règle raisonnable, celle que j’applique :

• une fois par vidéo,
• deux fois si la vidéo est vraiment longue,
• trois fois maximum sur un live qui dépasse 40 minutes.

Ensuite, les gens sont libres. C’est pareil pour les artistes qui sortent un single et qui, pendant trois mois, ne publient plus que “nouveau single les amis, likez, partagez, achetez, commentez”. On l’a vu, ton single. On sait qu’il est là. Ceux qui l’ont écouté feront ce qu’ils ont à faire. Pour ceux qui ne l’ont pas écouté, trouve un angle marketing plus séduisant et plus différenciant plutôt que de revenir constamment quémander.

Qui t’a mis ça dans la tête : les labels

Voilà le point que personne ne dit. Ce réflexe de quémandage n’a pas toujours existé.

J’étais dans cette industrie dès les années 2000, très jeune, mais j’y étais. Le quémandage n’existait pas. Même à l’époque de MySpace, même avec Facebook, même aux débuts d’Instagram, on ne quémandait pas comme ça.

Ça a commencé le jour où les labels et les maisons de disques ont commencé à évaluer les artistes au nombre de leurs abonnés.

Ce sont eux qui ont flouté votre état d’esprit. Vous arriviez en rendez-vous label, et on vous disait : “ce que tu fais est génial, mais désolé, on ne va pas te signer parce que tu n’as pas assez d’abonnés.” À force, on vous a fait croire que votre valeur en tant qu’artiste venait de vos abonnés, de vos likes et de vos vues.

C’est totalement faux. Et on ne vous l’a pas assez dit.

La preuve la plus simple : tu peux arriver demain avec 500 000 abonnés et trois millions de vues sur un clip, et on te dira non quand même. On te dira que c’est un bon projet, que les chiffres c’est bien, mais qu’il n’y a pas de place sur le marché pour toi. Que si tu fais du metal, on ne sait pas comment l’exploiter en radio et en télé en France, que ce n’est pas assez bankable. Ou qu’il n’y a pas assez de dates de concert. Ou que tu chantes en anglais et qu’on est en France.

On te trouvera toujours une excuse. Parce que le vrai message est celui-ci : “ce n’est pas encore assez bankable pour moi. Reviens quand ça le sera vraiment. Ça ne me dérange pas de payer 20 fois le prix que tu demandes aujourd’hui, demain, quand ce sera rentable. Aujourd’hui, ça me dérange.”

Et il y a pire : les rendez-vous de courtoisie. On te fait venir à Paris pour un rendez-vous label sans aucune intention de signer. L’objectif est de pouvoir te recontacter le jour où tu exploseras, en te disant : “souviens-toi, j’étais là au début, j’étais dans les premiers à y croire, ça n’a pas pu se faire à l’époque mais je t’avais dit que j’y croyais.” C’est pour mieux te récupérer plus tard.

Je l’ai vécu personnellement plusieurs fois, et de nombreux artistes que j’accompagne me l’ont rapporté depuis. Ce n’est pas de la malveillance, c’est de la gestion de portefeuille. Mais il faut le savoir, parce que ça change complètement la lecture que tu fais d’un refus. Si le sujet t’intéresse, on détaille la mécanique dans nos articles sur comment se faire signer en label et sur le choix entre signer et rester indépendant.

Dans tous les cas, retiens ceci : ça ne sert à rien d’aller te vendre auprès des algorithmes, parce que même si tu y arrives, ça ne déclenche pas pour autant un deal derrière.

La validation algorithmique est devenue une drogue

C’est pour moi le point le plus grave, et c’est celui qui justifie le titre volontairement dur de ma vidéo.

Depuis qu’on a absorbé tout ça comme une réalité absolue, la validation algorithmique est devenue une drogue. Beaucoup d’artistes la considèrent désormais comme un jugement valable sur leur travail.

Alors quand tu sors quelque chose et que tu n’as pas immédiatement des vues, des likes et des abonnements, tu en conclus que ce que tu fais ne vaut rien. Que c’est mauvais, que ça ne marchera jamais. Donc tu jettes à la poubelle, tu passes à autre chose, ou tu le cèdes contre presque rien.

Mais d’où les algorithmes auraient-ils l’oreille absolue ? D’où seraient-ils capables de décider de ce qui est bon artistiquement ?

Un algorithme peut influencer ce que les gens découvrent, c’est vrai. Il y a des auditeurs qui consomment la musique comme ça : ils se lèvent, ils ont quatre heures de route, ils lancent la playlist du moment, ils écoutent ce qui passe, ils zappent, ils rejouent. Très bien. Est-ce que c’est la majorité ? Je ne crois pas. Pour beaucoup de gens, la musique va bien au-delà d’un fond sonore pour tenir deux heures de route.

Moi-même, j’écoute chaque semaine les playlists du vendredi sur Spotify, par envie de rester à la page. Mais ça ne m’influence en rien. J’écoute la cinquantaine de titres, je zappe très souvent au bout de dix secondes, je fais de temps en temps une découverte intéressante que je creuse, et les trois quarts du temps ça s’arrête là. Ensuite je continue d’aller chercher moi-même ce que j’écoute.

Et la preuve que ces playlists ne dictent pas le marché, la voici : prends la playlist du vendredi de cette semaine, puis regarde le top radio et le classement des artistes qui vendent le plus de places de concert. Ça n’a rien à voir. C’est une proposition faite par une plateforme, pas un verdict.

Tu n’as pas besoin de cette validation algorithmique pour juger si ce que tu fais est bon. Et tu en as encore moins besoin pour décider si un morceau a un potentiel commercial.

Ce mécanisme de validation permanente par les chiffres publics est d’ailleurs un facteur de mal-être majeur chez les artistes, dont on parle en détail dans notre article sur la santé mentale du musicien.

Ceux qui réussissent sans flux algorithmique

Le meilleur contre-argument, ce sont les artistes qui cartonnent sans être portés par les algorithmes.

Le premier qui me vient, c’est Rohff. On ne peut pas dire aujourd’hui que ce soit un artiste soutenu, porté, boosté ou développé par les algorithmes. Et pourtant il remplit des salles sans la moindre difficulté, jusqu’à l’Accor Arena qu’il a jouée en février 2025 pour les vingt ans de La Fierté des Nôtres. Il fait de gros scores de streams et de gros scores de ventes.

Pourquoi ça marche ? Parce qu’il a consolidé un public sur la durée. Parce qu’il a du talent, il faut le dire. Parce qu’il est capable de se renouveler. Et surtout parce que les gens en parlent, et pas seulement à travers les réseaux. C’est ce qu’on a tendance à oublier.

Retiens cette phrase, elle vaut tout un plan marketing : une bonne prestation scénique vaut mille fois plus qu’un buzz web. Un bon échange avec ton public, une vraie interaction humaine, valent bien plus que n’importe quel pic de vues. Et tout ça doit entrer dans ta stratégie de développement, au même titre que le reste. C’est pour ça que le live reste central, et qu’on y consacre un guide dédié sur l’organisation de concerts en indépendant.

Ce que je m’applique à moi-même

Je serais malhonnête si je te faisais la leçon sans reconnaître que je tombe dans ce piège moi aussi.

Il n’y a pas longtemps, je me suis posé exactement la mauvaise question : “quelle vidéo au format court je peux faire pour buzzer sur TikTok, Instagram et YouTube Shorts ?” J’ai commencé à le faire. Et une vidéo a démarré très fort en visibilité : un TikTok sur le fait de quitter la France quand on est artiste, avec un titre beaucoup plus provocateur qu’autre chose.

Et là je me suis arrêté net. Ce n’est pas du tout l’image que je veux véhiculer. Ça ne m’intéresse pas de faire du buzz. Ça ne m’intéresse pas de faire 150 000 vues sur une vidéo. Ce que je veux, c’est 150 000 vues de grande qualité, une audience de grande qualité.

C’est là que j’ai compris quelque chose d’important : faire du contenu à fort potentiel viral est la pire chose à faire pour attirer une audience de qualité. Le contenu provoc attire des gens venus pour la provocation, pas pour ton travail. J’ai donc mis un frein.

Cela dit, soyons honnêtes sur la tentation. Plus tu as de visibilité, plus le nombre absolu de gens intéressants augmente. C’est mécanique : si sur 1000 vues tu attrapes 10 personnes intéressantes, alors à un million de vues tu en attrapes 1000. Donc oui, la visibilité est intéressante.

Mais elle ne doit pas être le point de départ de toute ta stratégie de développement.

Comment sortir du piège

Voici concrètement comment on inverse la vapeur.

1. Remets l’ordre à l’endroit. Tu crées d’abord ce que tu as envie de créer, tu réfléchis à la diffusion ensuite. Jamais l’inverse.
2. Change d’indicateurs. Arrête de piloter aux vues, aux likes et aux abonnés. Regarde les enregistrements de titres, les réécoutes, les inscriptions à ta base de contacts, les abonnements payants, les billets vendus. Ce sont les seuls chiffres qui prédisent une carrière.
3. Bascule de l’acquisition de vues vers l’acquisition de fans. L’objectif d’une publication n’est pas d’être vue, c’est de sortir du bruit les gens réellement intéressés et de récupérer leurs coordonnées.
4. Construis une offre pour tes meilleurs fans. Un abonnement, une communauté, quelque chose de récurrent qui transforme l’attachement en économie.
5. Suggère, ne quémande pas. Une fois, deux si c’est long. Puis tu laisses les gens libres.
6. Investis dans la scène et la relation directe. Une prestation qui marque et un vrai échange humain produisent un bouche-à-oreille qu’aucun algorithme ne peut t’enlever.

Un artiste que j’accompagne a fait exactement ce virage. C’est le DJ dont je raconte le parcours dans mon article sur l’économie des superfans. Il s’est concentré sur l’acquisition de fans en direct et a totalement changé sa stratégie promo. Aujourd’hui, il a une offre par abonnement qui convertit ses meilleurs fans et qui lui génère entre 3 500 et 4 500 euros par mois selon les mois. Pas de buzz spectaculaire. Un revenu réel, stable, et une liberté artistique totale.

Si tu veux le système complet pour construire une audience de qualité au lieu de courir après des vues, c’est exactement ce que j’enseigne. J’ai préparé une masterclass gratuite qui explique pourquoi 95 % des artistes échouent à développer leur visibilité.

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FAQ : créer pour l’algorithme

Faut-il faire de la musique pour l’algorithme ?

Non, et l’ordre des opérations est décisif. La bonne démarche est de faire la musique d’abord, puis de réfléchir à comment la vendre. Si tu réfléchis à comment vendre avant même d’avoir créé, tu formates ta musique et tu l’uniformises dans le seul but de séduire un algorithme, alors que celui-ci change ses règles tous les trois jours. Tu finis par courir derrière une cible mouvante, en ayant abandonné en route ce qui te rendait unique.

Pourquoi mes vues TikTok ne se transforment-elles pas en streams ?

Parce que le taux de conversion réel est très faible. Les estimations du secteur situent la conversion d’une vue TikTok en stream Spotify entre 0,5 % et 2 % seulement, selon l’artiste et la clarté de l’appel à l’action. Et parmi les titres devenus viraux, environ 15 % seulement connaissent une croissance durable en streaming. Une vue est une exposition d’une seconde, pas une relation. C’est pour ça qu’un million de vues peut ne faire passer tes auditeurs mensuels que de 600 à 1000.

50 000 abonnés, ça veut dire 50 000 fans ?

Absolument pas. Ça veut dire que 50 000 personnes ont cliqué sur un bouton. Ça ne dit pas qu’elles sont revenues t’écouter, qu’elles reviendront, qu’elles achèteront ta musique, ni qu’elles t’écoutent régulièrement. Et ça ne dit surtout pas que tu peux bâtir une économie viable sur elles. Je le vois sur ma propre chaîne : j’ai 60 000 abonnés YouTube et je n’ai évidemment pas vendu mes formations à 60 000 personnes. Je suis plutôt autour de 5 % de cette audience.

C’est quoi un vanity metric en musique ?

C’est un indicateur qui flatte l’ego sans rien produire de concret : les vues, les likes, le nombre d’abonnés. Ils sont visibles, publics et gratifiants, mais ils ne mesurent ni l’attachement, ni la capacité de ton public à se déplacer et à payer. Les indicateurs qui comptent réellement sont ceux qui traduisent un engagement : les enregistrements de titres, les réécoutes, les inscriptions à ta base de contacts, les abonnements payants, les billets vendus.

Un gros buzz garantit-il de remplir une salle ?

Non, et j’en ai un exemple précis. En 2025, un artiste afro urban club a connu un buzz web important grâce à une campagne d’influenceurs TikTok. Fort de ces chiffres, il a organisé un concert. La salle faisait 300 places et elle est restée quasiment vide, avec en plus beaucoup d’invités dans le peu de public présent. L’écart entre l’audience numérique et l’audience réelle est un des pièges les plus brutaux du métier, parce qu’on ne le découvre que le soir du concert.

Faut-il arrêter de demander des likes et des abonnements ?

Il faut suggérer, pas quémander. Glisser un appel à l’action sur tes contenus est normal et utile. Le répéter toutes les trois minutes ne l’est pas. J’ai vu un live de 35 minutes où il y avait entre 10 et 15 minutes de demandes d’abonnement. Une bonne règle : une fois par vidéo, deux si elle est longue, trois maximum sur un live de plus de 40 minutes. Quelqu’un qui a envie de liker le fera sans qu’on le lui demande quinze fois, et le harcèlement produit surtout de la gêne.

Pourquoi les labels regardent-ils autant le nombre d’abonnés ?

Parce que c’est un indicateur de risque commercial facile à lire, pas une mesure de valeur artistique. Le problème, c’est le message que ça a fait passer aux artistes : on vous a fait croire que votre valeur venait de vos abonnés, de vos vues et de vos likes. C’est faux. La preuve : vous pouvez arriver avec 500 000 abonnés et trois millions de vues et vous entendre dire non quand même, avec une autre excuse (pas de place sur le marché, pas assez bankable, pas de dates, tu chantes en anglais).

C’est quoi un rendez-vous de courtoisie avec un label ?

C’est un rendez-vous qu’on t’accorde alors que la décision de ne pas te signer est déjà prise. On te fait venir, parfois de loin, sans intention de contractualiser. L’intérêt pour le label est de pouvoir te recontacter plus tard, le jour où tu exploses, en te disant qu’il était là au début et qu’il y a toujours cru. Je l’ai vécu personnellement plusieurs fois, et de nombreux artistes que j’accompagne me l’ont rapporté. Ce n’est pas de la malveillance, c’est de la gestion de portefeuille.

Pourquoi la validation algorithmique est-elle dangereuse ?

Parce qu’elle fonctionne comme une drogue. Beaucoup d’artistes en sont venus à la considérer comme un jugement valable : quand ils sortent quelque chose et que les vues, likes et abonnements ne viennent pas immédiatement, ils en concluent que leur travail ne vaut rien. Ils jettent le morceau ou le cèdent contre presque rien. Or un algorithme n’a pas l’oreille absolue. Il peut influencer ce que les gens découvrent, il n’est pas capable de décider de la valeur artistique de ton travail.

Peut-on réussir sans être poussé par les algorithmes ?

Oui, et les contre-exemples sont nombreux dans le rap français. Rohff n’est pas un artiste porté ou boosté par les algorithmes aujourd’hui, et pourtant il remplit sans difficulté, jusqu’à l’Accor Arena qu’il a joué en février 2025 pour les 20 ans de La Fierté des Nôtres, avec de gros scores de streams et de ventes. Pourquoi ? Un public consolidé, du talent, une capacité à se renouveler, et des gens qui en parlent, pas uniquement sur les réseaux. Une bonne prestation scénique vaut mille fois un buzz web.

Faut-il abandonner les réseaux sociaux ?

Surtout pas, et je serais le dernier à le dire. Les réseaux sont un canal de communication extraordinaire et il faut évidemment chercher à développer sa visibilité. Mécaniquement, plus tu touches de monde, plus le nombre absolu de personnes intéressantes augmente. La nuance est ailleurs : les réseaux ne doivent pas être le point de départ de ta stratégie de développement, et ils ne doivent pas dicter ce que tu crées. Ce sont des outils de diffusion, pas des juges artistiques.

Comment sortir du piège algorithmique concrètement ?

En inversant l’ordre des priorités. Tu crées d’abord, tu diffuses ensuite. Tu bascules tes efforts de l’acquisition de vues vers l’acquisition de fans en direct, dont tu possèdes les coordonnées. Puis tu construis une offre qui convertit tes meilleurs fans. Un artiste que j’accompagne a fait exactement ce virage : il s’est concentré sur l’acquisition directe, a totalement changé sa stratégie promo, et son offre par abonnement lui génère aujourd’hui entre 3 500 et 4 500 euros par mois selon les mois.

Combien de vrais fans faut-il pour vivre de sa musique ?

Beaucoup moins qu’on ne le croit, à condition qu’ils soient réellement engagés. Je préfère mille fois un artiste discret sur les réseaux mais capable de me dire qu’il a bâti une base de 1000 à 3000 personnes abonnées en paiement récurrent à 5 ou 10 euros par mois. Deux mille abonnés à 10 euros, cela représente 20 000 euros mensuels : de quoi très bien vivre, investir dans son développement, et surtout garder la maîtrise de sa direction artistique sans s’autocensurer pour plaire à une plateforme.

Conclusion

Les algorithmes n’ont pas l’oreille absolue. Ils ne savent pas ce qui est beau, ils ne savent pas ce qui va durer, et ils ne savent pas ce que tu vaux.

Ce qu’ils savent faire, c’est mesurer une attention de trois secondes. Si tu construis toute ta carrière pour optimiser cette attention-là, tu obtiendras exactement ça : une attention de trois secondes. Un million de vues, 400 auditeurs mensuels supplémentaires, et une salle de 300 places à moitié vide le soir du concert.

Le vrai travail est ailleurs. Il est dans la musique que tu fais avant de penser à la vendre. Il est dans les gens dont tu récupères les coordonnées au lieu de te contenter de leur clic. Il est dans la scène, dans le bouche-à-oreille, dans la relation directe. Et il est dans ta capacité à décider toi-même si ce que tu viens de créer est bon, sans attendre qu’une machine te le confirme.

Utilise les réseaux, à fond. Mais ne travaille pas pour eux. Fais-les travailler pour toi.

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